EL EXPRESIONISMO ABSTRACTO AMERICANO

Expresionismo abstracto americano.

Definición

Tendencia que muestra grandes e importantes influencias como son el surrealismo, el expresionismo y la abstracción. La referencia con la naturaleza y la figuración en este movimiento está más que superado.

Características

En términos generales, puede señalarse en primer lugar su preferencia por los grandes formatos, normalmente con óleo sobre lienzo. Eliminan la figuración, aunque algunos emplean trazos figurativos apareciendo figuras reconocibles. Las telas presentan un aspecto geométrico que las hace diferentes al surrealismo. La cobertura de la superficie es un campo abierto sin límites y no hay jerarquía entre las distintas partes de la tela. El cromatismo es muy limitado: Blanco y Negro, los colores primarios: Rojo Amarillo y Azul.

Exponentes

El primero, el americano Jackson Pollock, creador de un nuevo modo de pintura: el Dripping. Otro artista reconocido fue Willem de Kooning. La pintura de de Kooning puede compartir planteamientos con Pollock aunque es mucho más directo. El tercero de la lista de expresionistas abstractos fue Philip Guston. Único representante de este grupo que mantuvo cierta figuración en sus lienzos. Por último nombrar a Mark Rothko. Creador del llamado “Color Field Painting” fue un artista de dedicación plena y obsesiva a su obra.

Ciudades de influencia

Nueva York fue la principal ciudad donde se potenció el expresionismo abstracto americano.

 

Crítica

El expresionismo abstracto americano es una forma de ver el mundo desde otro punto de vista, con una dimensión auténtica´, es una fuerza liberadora. No hay un elemento cohesivo, sino más bien un encuentro con la diversidad.

LA ABSTRACCIÓN

LA ABSTRACCIÓN

Definición

En el arte abstracto o abstraccionismo prevalecen las ideas y conceptos en detrimento de una representación figurativa de la realidad visible. El arte abstracto es el contrario del figurativo (es decir, la representación de objetos identificables mediante imágenes reconocibles). Por tanto la abstracción no representa «cosas» concretas de la naturaleza sino que propone una nueva realidad. Propone un «arte puro» mirando más allá de nuestra realidad.

Nueva Abstracción Americana.

Su principal componente fue el estadounidense Frank Stella. Es una vanguardia de grandes formatos que afirma la obra como estructura y materia. Destaca así, la composición más que los elementos anecdóticos presentes. Utiliza una paleta muy saturada son obras de clara bidimensionalidad y formas simples, con el objetivo de que éstas no tomen gran protagonismo y el conjunto sea, al fin y al cabo, lo principal.

Características

El arte abstracto existe independientemente de la realidad, la aleja. El arte abstracto no representa nada en realidad, los artistas abstractos tiraron por dos vertientes diferenciadas:

Por un lado al arte abstracto expresivo: subjetivo y espontáneo, improvisado a veces, donde el protagonismo es de la expresividad del artista, que prescinde de estructura y se vuelca en el gesto, el material y el sentimiento que provoca la obra. Es por tanto altamente ambigüo e interpretable.

Por otro está el arte abstracto geométrico: que pretende ser objetivo y universal, planificado, en la que la composición es estructurada y que evita toda expresividad mediante el uso de la geometría. Suele defender una factura impersonal y pretende evocar claridad y precisión.

Exponentes

Si bien desde el primer arte elaborado por el ser humano ya tenemos ejemplo de abstracción (desde las cuevas prehistóricas hasta las decoraciones en iglesias románicas), es oficialmente Kandinsky el primero en teorizar sobre esto (aparte tenemos a los neoplasticistas o a los suprematistas, y un poco antes figuras aisladas como la de Hilma af Klint).

Ciudades de influencia

Alrededor de 1910, se desarrollan distintas tendencias abstractas en el marco de los movimientos de vanguardia alemana, rusa, checa y húngara.

Crítica

 El arte abstracto es un estilo moderno que se opone al realismo y a la fotografía, de esta manera, es necesaria la utilización de la imaginación y la comprensión más allá de lo que la lógica nos entrega para admirar una pintura u obra abstracta.

Dentro de las artes visuales, el arte abstracto es más conocido por sus expresiones en el campo de la plástica (pintura, escultura), pero existen otras vertientes del arte que han desarrollado también tendencias abstraccionistas como, por ejemplo, en la arquitectura, en las artes escénicas (danza, música) y en la literatura.

EL SURREALISMO

EL SURREALISMO

Definición

El surrealismo fue uno de las artes de vanguardia europeos que surgió en Francia a principios del siglo XX. Reúne a artistas anteriormente vinculados al Dadaísmo ganando dimensión internacional. Fuertemente influenciado por las teorías psicoanalíticas de Sigmund Freud (1856-1939), pero también por el marxismo, el surrealismo enfatiza el papel del inconsciente en la actividad creativa.

Características

Comienza con un manifiesto escrito esta vez por el poeta André Breton. El término lo acuña el escritor G. Apollinaire. Se desarrolla, como se puede deducir por las fechas, en un periodo inestable de entreguerras en el que los intelectuales tratan de comprender la profundidad psíquica del hombre, los sueños, lo inconsciente. Los escritos y teorías del psicoanálisis de Sigmun Freud aportó base científica e ideológica, y las obras de Füsli y Blake la influencia artística.

Exponentes

Podemos hablar de dos tipos de Surrealismo pictórico y dos grandes grupos de pintores surrealistas. Por un lado, los pertenecientes al Surrealismo figurativo, entre los que se encontraban Max Ernst, René Magritte, Dalí y Chagall, quienes exploraron el surrealismo desde una óptica de realismo formal, pues, a pesar de sus deformidades y transformaciones, nunca abandonaron la referencia real de los objetos. Por otro lado, el Surrealismo abstracto contaba con Yves Tanguy, Miró, Klee y Hans Arp. Parte fundamental esta tendencia fue la escultura. Giacometti, Henry Moore, Alex Calder, M. Ernst y Man Ray.

Ciudades de influencia

El surrealismo fue un movimiento literario y artístico de origen francés, que se caracteriza por la expresión del pensamiento de modo espontáneo y automático, regulado solamente por los impulsos subconscientes, haciendo caso omiso de la lógica y la negación de las normas establecidas de orden moral y social.

Crítica

El surrealismo propone la valorización de la fantasía, la locura y la utilización de la reacción automática. En esa perspectiva, el artista debe dejarse llevar por el impulso, registrando todo lo que le venga a la mente, sin preocuparse por la lógica. 

Este arte fue una combinación del representativo, del abstracto, del irreal y del inconsciente. Entre muchas de sus metodologías están el collage y la escritura automática.

EL DADAÍSMO

EL DADAÍSMO

Definición

Fue una vanguardia anarquista que se mostró rotundamente en contra de cualquier norma social, moral o estética. Contundente, destructor y provocador, basado en lo absurdo, lo elemental, lo casual y lo azaroso (la misma palabra dadá que designó el movimiento se escogió de modo arbitrario en un diccionario).

Características

Su objetivo principal era cuestionar unos criterios artísticos fuertemente afianzados y aceptados en la época. Gracias al movimiento dadaísta, el Arte abrió sus fronteras y aceptó otros modos de expresión artística, lo que fue su mayor aportación. Era el nacimiento de lo que hoy denominamos arte conceptual.

Exponentes

El ejemplo máximo de Dadá fue el artista francés Marcel Duchamp. Además de Duchamp, los componentes de este grupo fueron Hans Arp, Francis Picabia, M. Ernst y el fotógrafo Man Ray.

Ciudades de influencia

De principios de siglo nació en Zürich (Suiza)

Crítica

El más radical y agresivo de los –istmos por estar en contra del arte. Era un movimiento que se dedicaba a criticar la sociedad. Al dadaísmo le debemos el collage, los murales y el haber sacado de los museos y de la casa de los burgueses al arte.

EL EXPRESIONISMO

EL EXPRESIONISMO

Definición

Estilo surgido en Alemania que trata de dar al espectador una visión de los sentimientos del artista.

Características

Forma, color y textura están al servicio de esa transmisión de los estados de ánimo del autor. Supone el inicio de la pintura abstracta en sentido estricto ya que se desvincula por fin del referente.

Exponentes

Sus grandes influencias fueron autores consagrados como Goya, el Greco, y otros más recientes como el belga James Ensor y el noruego Edvard Munch.

Los dos grandes grupos de artistas del movimiento fueron los llamados “Die Brücke” (el puente) en Dresde formado principalmente por Ernst Kirchner y Emil Nolde y “Der blazer Reiter” (el jinete azul) compuesto por Vasily Kandinsky, Franz Marc, Paul Klee en Munich, ambos con objetivos y rasgos comunes aunque con alguna diferencia estilística que les dividía.

Ciudades de influencia

Los movimientos expresionistas fueron desarrollados principalmente en Alemania, un país socialmente desazonado en ese entonces. De innumerables ramificaciones y matices, tomaron influencias de la pintura de los post-impresionistas Vincent Van Gogh y Paul Gauguin, cargada de sentimientos y concepciones en su utilización expresiva del color y la gestualidad del trazo.

Critica

Es una pintura subjetiva que deforma y exagera.

EL FUTURISMO

EL FUTURISMO

Definición

El primer manifiesto futurista se publica el 20 de febrero 1909, en el periódico parisino “Le Figaro”, escrito por Filippo Marinetti, escritor italiano, que casi con un rigor dogmático no dudaba en afirmar que “un automóvil rugiente, es más bello que la Victoria de Samotracias”. Con ello se exaltaba la modernidad, lo tecnológico, lo mecánico y rompe una lanza a favor de sus cualidades estéticas de estos objetos industriales infravalorados según esta vanguardia.

Características

Aunque el movimiento acaba pronto, en 1914 y 16 , tras la I Guerra Mundial algunos de sus componentes radicalizan sus posiciones y se relacionan ideológicamente con el fascismo italiano en las elecciones de 1919.

Particularidades:

– Exaltación de la originalidad.

– Estructuras del movimiento: tiempo, velocidad, energía, fuerza, etc.

– Contenido relacionado con el mundo moderno, las ciudades y los automóviles, su bullicio y dinamismo. Así como máquinas, deportes, guerra, etc.

– Utilización de formas y colores para generar ritmos.

– Colores resplandecientes

– Transparencias

– Multiplicación de líneas y detalles, semejantes a la sucesión de imágenes de un caleidoscopio o una película, (como resultado da la impresión de dinamismo).

Exponentes

Sus mayores exponentes fueron Humberto Boccioni, Gino Severino y Giacomo Balla.

Ciudades de influencia

El futurismo, movimiento artístico que se difundió rápidamente por Europa, nació a comienzos del siglo XX en la ciudad más industrializada de Italia: Milán. El Manifiesto del futurismo fue publicado por el poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti en el diario parisiense Le Figaro , en 1909.

Crítica

El Futurismo fue una vanguardia que buscaba reflejar el movimiento, el dinamismo, la velocidad, la fuerza interna de las cosas, la exaltación de la guerra, las máquinas, lo nacional y lo sensual y todo lo que fuese moderno. Este movimiento rompía con lo tradicional, el pasado y el academicismo.

Para lograr el efecto de movimiento se basaron en diferentes técnicas: vibrantes composiciones de color, el divisionismo (heredado del neoimpresionismo), la abstracción y desmaterialización de los objetos (tomada del cubismo) y finalmente la multiplicación de las posiciones de un mismo elemento (objeto o persona), realización de las líneas de fuerza, intensificación de la acción a través de la repetición y la yuxtaposición de frente y dorso de la figura (Simultaneismo).

Se conoce como vanguardias históricas a los estilos artísticos que aparecieron en la primera mitad del siglo XX. Su propuesta rupturistas fue tan radical que más de un siglo después siguen siendo el paradigma del arte de vanguardia, dado que en la época se produce en el arte una auténtica revolución de las artes plástica.

Escultura y pintura, participan de los mismos supuestos. Los movimientos vanguardistas son más una actitud ante el arte que una estética, que abandonará la imitación de la naturaleza para centrase en el lenguaje de las formas y los colores. Es la hegemonía del inconsciente, de la reconstrucción mental de la obra. Al espectador se le exige una nueva actitud ante la obra de arte. Los estilos dejan de ser internacionales para ser característicos de un grupo de artistas.

CONCEPTO DE VANGUARDIA

El término vanguardia ha sido uno de los más utilizados para el desarrollo del arte en el siglo XX, sea para definir posturas ante el arte y su papel en la sociedad, sea para ordenar el estudio de la historia del mismo siglo.

Convirtiéndose así en un fenómeno nuevo respecto a otros periodos de la historia, importante para comprender el arte de nuestra época, y solo en ésta aparecen expresiones como: Arquitectura de vanguardia, música de vanguardia, cine de vanguardia, etc.

El término es de origen medieval y se usaba en el lenguaje militar. Ya en el siglo XIX empezó a ser utilizado en sentido figurado con relación al arte y, en el XX constituye un término clave para el mundo del arte.

CARACTERÍSTICAS

Implica la idea de lucha, de combate, de pequeños grupos destacados del cuerpo mayoritario que avanza, que se sitúan por delante. Se manifestó como élite que se enfrentaba a situaciones más o menos establecidas y aceptadas por la mayoría. Se enfrentaron al orden establecido, a los criterios asumidos por las clases altas económicas e intelectuales. Fueron movimientos agresivos y provocadores. La incomprensión inicial y la posterior aceptación justifican su papel anticipador del futuro.

Vanguardia con relación al arte aparece por primera vez en el primer cuarto del siglo XIX, en textos de los socialistas utópicos. No se trataba de un grupo o de una tendencia artística en particular, sino que el arte se presentaba en general, como avanzadilla de los sectores fundamentales que tratan de transformar la sociedad: la ciencia y la industria. A fines del XIX, el término vanguardia se utilizó en el vocabulario político y antes de la primera guerra mundial pasó a ser frecuente, en la crítica artística concretamente se aplicó al Cubismo y Futurismo.

Con la aparición del “Manifiesto Comunista de 1848 “, surgieron también manifiestos artísticos, que a modo de declaración pública recogía los propósitos de actuación, en ocasionas con términos y lenguaje contundente, al igual que los documentos políticos. En este sentido el “Futurismo” será el más paradigmático, redactando manifiestos dedicados a la literatura, pintura, escultura, arquitectura, música, cine.

Impresionismo (1874), Neoimpresionismo (1884) y Postimpresionismo (1910).

El precursor de este movimiento fue Eduard Manet. En su trabajo se puede apreciar el paso de la pintura tradicional al modo de hacer impresionista. Con el paso del tiempo Manet recurre a pincelada directa, con mucha carga, aunque nunca con tanta decisión como lo harían los siguientes autores impresionistas, todos ellos estudiosos, admiradores e influenciados por Manet. El grupo lo componía Degas, Renoir, Monet, Pizarro, Sisley y Cezanne.

Acabada la época del desarrollo del Impresionismo, surge el Neoimpresionismo o puntillismo, llevado a cabo fundamentalmente por dos autores, Georges Seurat y Paul Signac.

Fuera de estos dos movimientos quedan tres autores, de obligada mención, como son Vincent Van Gogh, Paul Gaugain y Henri de Toulouse-Lautrec. Se les dio el término histórico-artístico de Postimpresionistas en una exposición celebrada en Londres en 1910.

Fauvismo 1905 / 1907

El Fauvismo cuestiona el Arte como representación de la realidad, abogando por un arte subjetivo que expresa sentimientos por medio del color. Término acuñado por el crítico de arte Louis Vauxcelles tras contemplar una exposición (fauve es el término francés para fiera), lo denomina así por su violencia cromática, por sus agresivos contrastes, tintas planas, simplicidad en el dibujo y su ausencia de claroscuro. Los historiadores lo consideran una reacción al Impresionismo. Si éste trataba de enfrentarse a la realidad por medio de la visión, el Fauvismo intenta pintar con la mente. Sus autores principales son Matisse, Derain, Dufy y Braque.

Cubismo 1907 / 1914.

Cubismo es el nombre que se le dio al movimiento desarrollado principalmente por el español Pablo Picasso y Braque. Curiosamente fue también L. Vauxcelles el encargado de denominar al movimiento. Se caracteriza por destruir la óptica renacentista como único punto de vista. Es capaz de representar varios puntos de vista a la vez en una misma imagen, superando así a su rival representativo, la fotografía. Afirma la bidimensionalidad aunque sugiere cierta profundidad con un particular claroscuro.

Niega la luz impresionista y los modula en tonos neutros y pardos, mediante el uso de la faceta (pequeños planos de color superpuestos) y la introducción en el Arte con mayúsculas de técnicas como el collage. Es un movimiento que no trata de captar la realidad presente ante el artista, sino que crea, a partir de la realidad, una imagen propia, nueva. Se basa en la anterior pero que no intenta parecerse a ella, sino aportar más información, incluso, que la propia realidad. Otros componentes de este movimiento fueron Juan Gris, Francis Picabia, Franz Leger y Albert Gleizes.

CIUDADES

El Cubismo y el Fauvismo tuvieron como centro neurálgico a París. Fue desarrollado principalmente en España y Buenos Aires, con su aportación del Cubismo en las Smart-cities. 

CRÍTICAS

La influencia que el Cubismo de Picasso tuvo en los jóvenes pintores futuristas es un hecho que no siempre ha gozado de la suficiente difusión, sobretodo en el País de origen del movimiento. El Futurismo pictórico es de una importancia notable dentro de la historia del Arte contemporáneo.